La ferme du Dolmen – Le Pouget

Les vacances scolaires sont l’occasion de nombreuses découvertes avec les petits-enfants. C’est donc un programme spécial qui a été composé cette année, à partir de la ville de Montpellier. Nous avons visité la vieille ville de Montpellier, les villes de Sète, Pézenas, Saint Guilhem le désert. Mais une grande place a été occupée par un programme enfants.

C’est ainsi, que nous sommes allés à la ferme du Dolmen, voir les animaux de ce lieu pédagogique destiné à émerveiller les petits et pas seulement. Equipés d’un seau de pop-corn, nos déambulations nous ont menées vers les ânes, chevaux, moutons, chèvres, lamas, canards, cygnes, cochon, et hôtes du poulailler. Avec un beau soleil, les visiteurs étaient à la fête, dans un face à face amical avec des animaux habitués à ces visites et cherchant les câlins des plus jeunes.

C’est à Mèze, que des nids d’œufs de dinosaures ont été découverts et y sont exposés. Un parc a été implanté sur ce site laissant observer en grandeur nature de nombreux spécimens de ces créatures carnivores et herbivores. De nombreux panneaux explicatifs accompagnent un parcours décrivant les différentes espèces et les hypothèses liées à la disparition rapide des Dinosaures. Des empreintes de pas et des fouilles donnent aux enfants l’idée de la dimension spectaculaire de ces animaux d’apparence peu sympathique.

 Les poissons sont répartis en univers, selon leur continent d’habitation. Là aussi un parcours est imposé, qui montre une faune en déplacement permanent, au travers de plusieurs aquariums. Nous avons été secoués dans une cabine située à l’avant d’un bateau affrontant les quarantièmes rugissants. D’impressionnantes vagues montaient à l’assaut de notre proue, avec le bruit et la fureur du vent, accentuant l’effet d’un mouvement permanent. Il fallait s’accrocher ferme aux rampes du bastingage  pour ne pas tomber…

Kokdu, compagnons de l'âme

Jusqu’au 27 avril 2017

En partenariat avec le musée du Kokdu à Séoul

C’est avec les Amis des Musées de Nice, que nous sommes allés visiter le musée des Arts Asiatiques, parcours commenté par Madame Karine Valensi. Cette présentation des rites funéraires coréens commence au sous-sol du musée avec la mise en scène d’un char de funérailles décoré par des figurines, animé par des couleurs vives, d’une dimension impressionnante. Ce corbillard doit être porté par 24 personnes, il comporte des étages habités par 46 Kokdus, dépassant en apparat ce que nous connaissons en Occident, où la mort tend à disparaître de la scène publique. L’incinération progresse avec la volonté d’oublier « les Pompes Funèbres », chères à Brassens.

C’est sous l’ère de la dynastie Choson, que la mort signifie la séparation du corps et de l’âme. Le corbillard transporte le corps, tandis que l’âme voyage avec un palanquin spécial.

D’autres œuvres insolites sont présentées : de petites figurines de bois, autrefois utilisées lors des funérailles traditionnelles, figurant des personnages, des fleurs, des animaux réels ou surnaturels… Loin d’être tristes, ces  statuettes de bois colorées, aux expressions naïves, ludiques ou sérieuses, selon le rôle qui leur était dévolu, étaient chargées de veiller sur les défunts et d’apporter la consolation aux familles. Les kokdu, véritables guides spirituels, accompagnaient l’âme du défunt sur le chemin de la sérénité.

L’intérieur Coréen

Une présentation de meubles décorés, de tableaux, de vêtements, montre l’évolution de la broderie sur soie. C’est une femme In-Sook Son qui réalise des pièces de tissus intégrés aux meubles, en en remplaçant la marqueterie ordinaire, pour créer de fabuleux tableaux. La peinture sur soie offre des possibilités inouïes en matière de précisions des détails : on en voit l’aboutissement dans les costumes et la robe de mariage. Velouté du tissu, fulgurance des couleurs employées, résument la technique du silgrim au service de la décoration intérieure. On doit s’interroger sur la durée de ces réalisations intemporelles et sur leur coût important final. 

La vie ne sera jamais plus la même

Oeuvres de Jayashree Chakravarty présentées au 1^er étage du musée

 On découvre ici, la facette inversée du lyrisme mortuaire coréen. Dans la mesure où la vie se restreint  de par l’atteinte portée aux milieux naturels et aquatiques. Car leur présence se raréfie face à la constante expansion des villes indiennes. Cette conception écologique est une préoccupation  qui nourrit la réflexion artistique de Jayashree Chakravarty.

L’extinction de certaines espèces végétales, fleurs sauvages et plantes traditionnelles connues pour leur valeur médicinale, la raréfaction de la vie animale  autrefois si abondante, la disparition de certaines catégories d’insectes autour d’elle, ont aiguisé sa sensibilité et fondé son  sentiment intime qu’une atteinte irréparable était portée à la nature. Par référence à l’environnement encombré de la ville, Jayashree Chakravarty peint des toiles monumentales, foisonnantes d’une vie presque excessive, où elle exprime une inspiration venue du plus profond de son être, en attirant  les spectateurs dans le  tourbillon de paysages inachevés et déconcertants, suggérant un désordre spatial et temporel.


Ses récentes installations monumentales, constituées de lés suspendus et aériens, font de la nature aussi bien un sujet qu’un support de création. Comme dans un labyrinthe, les images peintes et tissées se superposent, entrelacées et imbriquées dans une toile naturelle où alternent écheveaux de fils, lambeaux de papier et tissu collé. Un examen plus attentif révèle des pétales, des feuilles sèches, des graines, des tiges, des racines, intégrés dans l’un ou l’autre des feuillets qui composent l’œuvre, et en font un assemblage unique. À une époque où les matériaux industriels et la technologie ouvrent de nouvelles perspectives artistiques et conceptuelles, Jayashree préfère se tourner vers des formes organiques, artisanales, trouvant,  une nouvelle approche de la nature, d’elle-même et du monde qui l’entoure.
Dans l’exposition présentée au musée des Arts asiatiques, ‘’La vie ne sera plus jamais la même", Jayashree mêle intimement émotions et expériences personnelles.

La vidéo suivante vous est proposée présentant l’artiste :

La  grande nouveauté de l’année est la transformation des façades de la Fondation, effectuée par Daniel Buren, grâce à l’adjonction de panneaux colorés posés sur la totalité des voiles du bâtiment. Une exposition temporaire présente les œuvres d’artistes contemporains chinois (exposition terminée fin août).

L’observatoire de la Lumière

Depuis le 11 mai et ce jusqu'à la fin de l'année, la Fondation Louis Vuitton change de couleurs. L’Observatoire de la Lumière, œuvre in-situ temporaire, est signée Daniel Buren. En appliquant ses filtres colorés, leitmotiv de son œuvre, l'artiste français complète la prouesse architecturale de Frank Gehry. Les douze voiles de verre de ce navire de l'art contemporain sont embellies par une composition de treize nuances de couleurs (vert, bleu, orange...), alternés de bandes blanches et transparentes. La lumière du jour traversant la robe colorée de l'édifice, la perception de celui-ci évoluera au fil des heures.

Les douze voiles du bâtiment, constituées de 3600 verres, sont recouvertes en quinconce de filtres colorés qui sont à leur tour ponctués à distances égales les uns des autres par des bandes alternativement blanches et vides, axées perpendiculairement au sol. Ce motif, outil visuel – selon l’expression consacrée par l’artiste – est omniprésent depuis le milieu des années 1960, tout comme la couleur, autre élément fondamental de son vocabulaire. Les treize couleurs réunies ici ont été sélectionnées en fonction de la palette du fabricant et de leur disponibilité en usine, une manière pour l’artiste d’évacuer la question du choix.

Lorsque le soleil est au zénith, l'oeuvre prend toute son ampleur et les terrasses en offrent un point de vue privilégié. À l’intérieur ou à l’extérieur, depuis les terrasses ou dans les espaces, par un jeu de transparences, de contrastes, de projections et de reflets, des formes colorées apparaissent et disparaissent, toujours changeantes, sans cesse mouvantes, selon la météo, les heures et les saisons.

 L'artiste transforme de manière radicale le bâtiment, il renouvelle le regard sur l’architecture et en impulse une nouvelle approche. Sans début, ni fin, « L’Observatoire de la lumière » s’expérimente librement, au gré de l’intensité vibratoire des couleurs.Avec un geste minimal, l’artiste transforme

« Il y a quantité d’effets de miroirs ici (à la Fondation Louis Vuitton) qui ne viennent pas de miroirs mais des vitres. Presque partout, quelque chose se reflète (…) en colorant les voiles, tous ces reflets vont devenir beaucoup plus présents et rendront actives ces glaces « dormantes » qui se profilent un peu partout. (…) Je pense que cela va permettre de se rendre davantage compte de la singularité de cette architecture et de l’apprécier plus encore. » Daniel Buren

Bernard Arnault, Président de la Fondation Louis Vuitton confirme dans le communiqué officiel que l'artiste et l'architecte ont échangé ensemble sur le projet :

« Daniel Buren a conçu un projet grandiose, pertinent et enchanteur, fruit d’un dialogue véritable avec Frank Gehry et son bâtiment. Son œuvre répond magnifiquement à l’architecture dans la continuité d’un travail, initié dès les années 1970, où se croisent couleurs, transparence et lumière. »

La proximité du jardin d’acclimatation permet de retrouver chez les oiseaux une palette de couleurs sublimes, que nous mettons en parallèle avec les vitraux de Buren.

 La collection « un choix d’œuvres chinoises »

Dédié à la Chine, l’accrochage de la collection de la Fondation Louis Vuitton s’enrichit :

Giant n°3 (Géante n°3), est une sculpture monumentale de Zhang Huan, artiste décisif dans l’importance prise par la Chine sur la scène internationale. La seconde est le cycle complet des Seven intellectuals in a bamboo forest (Sept intellectuels dans la forêt de bambous) de Yang Fudong. Remarqués en 2007 lors la Biennale de Venise, les cinq films qui le composent sont ici diffusés.

Les travaux de douze artistes – Ai Weiwei, Huang Yong Ping, Zhang Huan, Yan Pei-Ming, Xu Zhen, Yang Fudong, Cao Fei, Zhang Xiaogang, Tao Hui, Zhou Tao et Isaac Julien, sont proposées au public jusqu'à la fin août 2016

Giant n°3 : une sculpture monumentale de Zhang Huan

A l’image de ses grandes peintures d’encens également présentées à la Fondation, la sculpture Giant n°3 (Géante n°3) de Zhang Huan est le résultat d’une transformation. Ici, ce sont les animaux qui s’agglomèrent pour figurer l’humain ou l’humain qui se pare de fourrures pour se protéger. La métamorphose de cette immense maternité est suspendue, tout comme l’identité de cette géante.

Chaman vêtu de peaux de bête ou clocharde vêtue de haillons rapiécés, elle est la représentation d’un être entre deux mondes. Le personnage qui la surmonte renforce encore son étrangeté. Niché au creux de sa tête il est un autoportrait de Zhang Huan lui-même. Imprégné de philosophie bouddhique, Zhang Huan explore des thèmes relatifs aux relations corps-esprit et aux cycles de la vie. Dès 1993, il se fait connaître par des performances provocantes engageant directement son corps.

Zhang Huan est né en 1965 à Anyang (Chine), il vit et travaille à Shanghai et New York.

Syncrétisme universel

Nous avons admiré une sculpture imposante placée au centre d’une salle. Cette statue multiple réunit une Victoire de Samothrace inversée sur un Bodhisattva. Xu Zhen a intitulé cet empilement du nom d’Eternity en unissant la Grèce et la Chine, la guerre et la paix.

De nombreuses autres installations et un recours important au cinéma animent les autres salles.

Notre vidéo rend compte des aspects les plus dynamiques et vivants du renouvellement de la Fondation Vuitton.

De nombreuses autres installations et un recours important au cinéma animent les autres salles.

Notre vidéo rend compte des aspects les plus dynamiques et vivants du renouvellement de la Fondation Vuitton.

Olafur Eliasson à Versailles

Une cascade « incroyablement haute », un bosquet plongé dans le brouillard et des résidus de glaciers : l’artiste d’origine islandaise Olafur Eliasson a imaginé un triptyque sur le thème de l’eau pour le château de Versailles. 

Une très belle installation est intégrée dans les sous-sols de la Fondation Vuitton poursuivant la pente humide de l’univers d’Eliasson. Elle réunit 43 piliers triangulaires dont l’orientation donne des couleurs changeantes où le jaune or domine, alternant avec le blanc des glaciers. Avec l’immersion et les réverbérations dans l’eau d’un bassin, jusqu’à l’écoulement d’une rivière placée en sortie de bâtiment. Nous avons apprécié cet imposant ensemble implanté sur toute la longueur du bâtiment. D’autant plus que sur la galerie dominant l’installation une mariée essayait sa robe blanche sur fond bleu…

Parmi toutes les villes de France qui ont conservé un bâti en bois de qualité, Troyes est peut-être celle qui possède le patrimoine le plus étoffé, le plus dense, le plus homogène, le mieux conservé ou le mieux restauré. Après avoir failli disparaître, cette incroyable collection de maisons à pans de bois héritée du Moyen-âge et de la Renaissance fait aujourd’hui la fierté de la cité champenoise. Son style pittoresque et ses couleurs bigarrées racontent aussi la métamorphose d’une ville dont certains chapitres restent encore à écrire.

Qui arpente les rues de Troyes est frappé par la profusion de maisons à pans de bois qui habite le paysage. La ville possède sans conteste l’une des plus belles et des plus riches collections de maisons de ce type, dites aussi «à colombage». Ce sont ces zébrures caractéristiques - verticales, horizontales ou obliques - qui révèlent au grand jour le squelette du bâtiment. On parle du reste d’ossature en bois. A cette constatation, il faut ajouter le calme des nombreuses cours qui permettent au visiteur de s’asseoir, ainsi qu’une piétonisation des principales rues du vieux Troyes. Certaines rues ont conservé leur caractère médiéval avec des rues étroites abritant de nombreux commerces. La ruelle des chats est tellement étroite que les chats sont censés la traverser d’un seul saut. Cette ruelle ne voit d’ailleurs jamais le soleil tellement ses maisons sont rapprochées.

Ce patrimoine revient de très loin. Il tire même son origine d’un événement catastrophique pour la ville ! La quasi-totalité des maisons en bois que l’on peut admirer aujourd’hui ont en effet été construites après le grand incendie de mai 1524. Ce gigantesque brasier ravagea un quart de la cité, réduisant en cendres quelque 1500 habitations et jetant à la rue 7500 personnes environ !  Mais sitôt l’incendie maîtrisé, chose qui nécessita un peu plus de deux jours, les Troyens s’attelèrent à la reconstruction de leur ville.

Les plus fortunés d’entre eux adoptèrent la pierre pour bâtir de magnifiques hôtels particuliers qu’il nous est encore permis d’admirer. Les moins aisés optèrent pour une reconstruction à l’identique de leurs anciens logements. Ces maisons à pans de bois édifiées à la Renaissance restent donc d’inspiration médiévale, conférant ce charme si particulier à la ville.

Notre vidéo fait la part belle à une description où figurent les plus beaux ensembles.

Cathédrale Saint-Pierre-et-Saint-Paul de Troyes

Une ère de ferveur chrétienne et d’innovations techniques lance l’art gothique ou art ogival en France au XIIème siècle : à partir de 1198, les évêques Garnier de Trainel, puis Hervée (représentés sur un vitrail dans le chœur), entreprennent de construire l’une des plus grandes et des plus belles cathédrales de France, en commençant par les chapelles du chevet, sur l’emplacement des anciens remparts gallo-romains. Le transept est construit en 1260 et les premières travées de la nef à partir de 1310, mais la Guerre de Cent Ans (1337-1453) interrompt les travaux. Au XVIe s., les ultimes travées sont construites sur le site de l’ancienne église. La façade ouest, chef d’œuvre de Martin Chambiges, maître maçon parisien, est achevée en 1554 avec la base de la tour Saint-Pierre (celle-ci ne sera terminée qu’en 1634). Durant leur édification, huit logettes sont accolées à l’édifice, à l’usage des ouvriers et tailleurs de pierre. Elles sont remplacées au XIXème par des étals où l’on vendait du pain. La tour Saint-Paul, elle, ne sera jamais élevée en raison d’une crise de la foi et d’un manque de financement. Erigée en plus de 400 ans, la cathédrale illustre les étapes du style gothique, rayonnant et flamboyant, mais l’ensemble est très homogène et admirable tant à l’extérieur qu’à l’intérieur. Dans le chœur, des vitraux du XIIIème représentent entre autres Marie, saint Jean, divers épisodes de la Bible et des personnages du Moyen Âge, dans la nef, on peut remarquer l’Arbre de Jessé (± 1500), et dans le bas côté nord de la nef, le Pressoir Mystique (1625) de Linard Gonthier, célèbre peintre-verrier troyen (1565-1642). Les stalles du chœur, en bois sculpté proviennent de l’abbaye de Clairvaux, ainsi que les célèbres grandes orgues.

Un culte sonnant

La voix familière de la cathédrale de Troyes retentit toutes les 60 minutes, de 8 à 22 heures, donnant raison à ce dicton populaire qui a traversé les siècles. Que fait-on à Troyes ? On y sonne..

On ne compte pas une, pas quatre, mais dix églises catholiques à Troyes, soit une pour 5600 habitants. Rapporté à la population, c’est un peu comme si l’on en dénombrait plus de 400 à Paris ! (Il y en a en réalité le tiers.) Et encore, ne sont pas inclus le temple protestant, la synagogue, la mosquée, diverses chapelles et autres lieux de culte. Ni même les églises qui ont disparu ou ont été désaffectées, comme l’étonnante église Saint-Frobert, transformée en logements après la Révolution et qui constitue encore aujourd’hui l’une des curiosités de la ville (rue Saint-Frobert).

Est-on particulièrement pieux à Troyes ? Ce point reste à établir, mais au moins s’y montre-t-on jaloux d’un patrimoine religieux qui recèle de nombreux joyaux comme le jubé de Sainte-Madeleine, la toiture vernissée de Saint-Nizier, le clocher vrillé de Saint-Rémy, la statuaire de Saint-Pantaléon ou l’architecture toute en finesse de la basilique Saint-Urbain.

De toutes les églises que l’on peut admirer à Troyes, Sainte-Madeleine est peut-être la plus ancienne et certainement l’une des plus belles. On en trouve mention en 1157 : son édification remonterait à 1120, mais elle est reconstruite vers 1200 dans le style gothique qui vient d’apparaître en France. Son abside et son chœur sont encore rénovés vers 1500, dans le gothique flamboyant de l’époque. Sa tour carrée de style Renaissance daterait de 1525, comme le portail richement sculpté de l’ancien cimetière situé à droite de l’entrée (aujourd’hui Jardin des Innocents).

Un  magnifique jubé

Le portail principal de l’église est refait au XVIIème et la nef restaurée au XIXème siècle. Sainte-Madeleine est remarquable par son célèbre jubé et les vitraux de son chevet, chefs-d’œuvre d’une finesse exceptionnelle que le visiteur admire à portée des yeux.

Seuls quelques édifices religieux en France ont conservé un jubé. Il s’agit d’une tribune en pierre élevée entre la nef et le chœur pour porter une chorale ou des officiants s’adressent aux fidèles. Vers 1503, le clergé de Sainte-Madeleine fait appel aux artisans de la région pour remplacer le vieux jubé de bois. Au même moment, le chapitre de la cathédrale de Troyes cherche un architecte pour construire son portail. Jean Gailde, qui a collaboré à l’édification du chœur de Sainte-Madeleine, se voit refuser son projet pour la cathédrale, mais est choisi ici. On dit qu’il a voulu venger son éviction par les chanoines en se surpassant pour créer la dentelle de pierre que l'on peut découvrir aujourd’hui. À la fois concepteur et sculpteur, il est enterré sous son chef-d’œuvre. A l’origine, le jubé était polychrome ; il est blanchi comme tous les murs de l’église au XVIIIe. Le chœur de l’église offre de superbes exemples de vitraux de l’École troyenne au début de la Renaissance, caractérisés par un dessin appuyé, des coloris éclatants et un grand raffinement technique. Le bel Arbre de Jessé (début XVIème), La Genèse, ou Les perles de saint Éloi, montrent le travail d’un atelier d’orfèvre, un vitrail réalisé en 1506 par Nicolas Cordonnier pour cette corporation.

Un superbe jardin se visite, implanté sur les côtés de l’église, sa verdure et ses hydrangeas en font un  délicieux havre de paix.

C’est la troisième grande ville de Suisse avec 170 000 habitants. Elle est célèbre pour son Carnaval, pour ses musées et expositions. Bâle a conservé une apparence médiévale pendant longtemps puisque ses remparts n'ont été détruits qu'en 1859. Ensuite, elle s'est largement développée pendant un essor industriel tardif, qui n'a commencé qu'en 1880. Le centre ancien, plutôt étendu, comprend les principales artères commerçantes, un grand nombre de maisons à pans de bois typiques ainsi que des hôtels particuliers du XIXe siècle.

La ville de Bâle polarise toutes les activités économiques et relègue ses banlieues françaises et allemandes à des rôles de cités-dortoirs, les migrations transfrontalières sont donc très importantes, avec 30 000 frontaliers français et 15 000 frontaliers allemands qui vont travailler à Bâle chaque jour.

La vieille ville de Bâle regroupe un grand nombre de maisons anciennes et d'édifices emblématiques des divers courants architecturaux de la région.

La Cathédrale

La cathédrale, construite en grès rose, a été fondée en 1049. Endommagée par le tremblement de terre de 1356, elle a été reconstruite dans un style gothique du XIV^e siècle au XV^e siècle. Elle a ensuite été restaurée au XIX^e siècle. La cathédrale protestante Notre-Dame de Bâle est un bâtiment médiéval reconnu comme l'emblème de la ville suisse. Elle est construite principalement en bloc de grès rose. Les blocs en grès clair correspondent à des phases antérieures de la construction. Un élément de grande valeur pour l'église est sans doute la porte de Saint-Gall, située au nord, une des œuvres de sculpture romane les plus importantes en Suisse. De plus, la cathédrale se distingue pour les motifs géométriques donnés par la disposition des tuiles multicolores et pour l'asymétrie créée par les deux flèches différentes qui couronnent le bâtiment (avec ses 67 m, la tour du nord est légèrement plus haute que celle du sud).

La façade présente les sculptures de Saint Georges terrassant le dragon d'une part, et Saint Martin sur son cheval de l'autre. La statue de La Vierge Marie, auquel l'édifice était au départ dédié, se dresse sur le fronton principal et domine ainsi l'ensemble. Les vitraux du chœur qui existaient à l'origine sont actuellement conservés au musée Kleines Klingental. Ils ont été remplacés au XIX^e siècle par des œuvres de Franz Xavier Eggert pour la partie haute et de Johann Caspar Gsell pour le déambulatoire. Le chœur possède quatre colonnes romanes dont les chapiteaux historiés évoquent des thèmes de l'histoire biblique, mais également ceux des mythologies grecque et germanique.

L’hôtel de ville

L'hôtel de ville, autre lieu emblématique de la ville, date de 1514. Il a été agrandi vers 1608 puis le beffroi a été ajouté au début du XX^e siècle. Il abrite le siège du Gouvernement cantonal de Bâle-Ville, qui est simultanément celui de la ville.

L'ensemble combine de riches décorations murales avec une architecture mêlant styles gothique et Renaissance. Devant l’hôtel de ville se trouve la Markplatz (place du Marché) est située au cœur de l’ancien bourg des artisans. Tous les jours sauf le dimanche, on peut y acheter des légumes, des fruits et des fleurs de première fraîcheur.  Avec la Barfüsserplatz et la Münsterplatz, la Marktplatz fait partie des places publiques les plus connues de Bâle.

L’Hôtel de Ville se trouve à cet endroit depuis le 14e siècle, assez loin de la résidence de l’ancien seigneur de la ville, le prince évêque, qui était située sur la colline de la cathédrale. Cette séparation géographique révèle qu’au 14e siècle déjà, la bourgeoisie se renforçait sur le plan social et financier et aspirait à gagner son indépendance à l’égard de l’évêque. Ce furent les artisans, organisés en 15 corporations, qui en 1501 firent accepter par le conseil l’entrée de la ville de Bâle dans la Confédération.

A cette occasion, on remplaça au début du 12e siècle le corps avant de l’Hôtel de Ville de l’époque par un bâtiment plus représentatif de la nouvelle situation de la ville. Sur son front figurent les armoiries en couleur des 12 cantons qui formaient la Confédération de cette époque.

Au début du 17e siècle, l’Hôtel de Ville a été agrandi et sa façade de plus grande surface a été peinte de motifs architecturaux par Hans Bock.
Un nouvel agrandissement est intervenu en 1900, avec l’adjonction de l’aile extrême gauche et de la tour à droite.

C’était l’époque à laquelle les architectes aimaient jouer avec des éléments de construction historiques. Ils ont ainsi repris pour la nouvelle construction les formes de certaines parties des anciennes, mais en leur appliquant une décoration du style à la mode à l’époque, le style art nouveau.