La forteresse est un quadrilatère, entouré de douves flanqué, côté ville, de deux tours rondes, qui abritaient des citernes d'eau, et côté campagne de deux tours carrées disparues. Le château était divisé en deux parties, séparées par un fossé. Ce jour, nombre de chats dorent au soleil, à l’abri des douves.

Côté ville, un vaste champ de manœuvre auquel étaient adossées les casernes. Côté campagne, la cour ducale et la Rocchetta, forteresse à l’intérieur de la forteresse, où demeurait le duc. Le trésor ducal était conservé à l'intérieur d'une des deux tours carrées, la Torre Castellana. L'architecte florentin le Filarète fut appelé à Milan pour construire la tour centrale, côté ville, la tour du Filarète. Elle servit à entreposer la poudre à canon, et fut détruite par une explosion en 1521. C'est seulement au début du XXème siècle, lors de la campagne de restauration menée par Luca Beltrami, qu'elle fut reconstruite.

 Quelques-uns des plus grands artistes alors présents à Milan vont embellir le château. dont Léonard de Vinci, Bramante, Bramantinoi.

À la mort de Francesco II Sforza en 1535, Milan passa sous domination espagnole. Une ligne de fortification en forme d’étoile fut construite autour du château. Elle fut détruite pendant l'occupation napoléonienne (1802-1814). À partir de 1815, le Château des Sforza servit de caserne aux troupes autrichiennes. Lors des cinq journées d'insurrection contre l'occupation autrichienne (18-22 mars 1848), le général autrichien Radetzky ouvrit le feu sur les insurgés depuis le château. Aux yeux des révolutionnaires italiens ce général annonce le crépuscule de la domination autrichienne dans le droit fil de la révolution des peuples qui secoue l’Europe depuis 1830. Johann Strauss a composé sa célèbre Marche en son honneur. Joseph Roth publie en 1932  La Marche de Radetzky. Tout empreint de nostalgie, ce roman dresse un tableau critique, voire, satirique de l'Autriche-Hongrie.

En 1893, les autorités militaires rendirent la forteresse des Sforza, à la Commune de Milan. Sa démolition fut un temps envisagée car elle servit plutôt les intérêts des envahisseurs espagnols, français et autrichiens. Une restauration fut entreprise,  destinée à abriter un musée et une institution culturelle. Le fond du musée était constitué de donations réalisées par de riches familles milanaises et du fonds communal.

Le Musée d'art ancien

Le rez-de-chaussée présent un ensemble de sculptures, on y trouve aussi des œuvres marquantes à la fois pour leur valeur artistique et pour l’histoire de Milan :

• Le monument funéraire du duc Barnabé Visconti et de son épouse Beatrice Reine della Scala, soutenu par un ensemble de colonnes de marbre. Sculpté en 1363 par Bonino da Campione, il trône dans l'entrée ; le duc y est immortalisé sur son cheval préféré.
• Le gisant du monument funéraire de Gaston de Foix par Agostino Busti.

La pinacothèque

La Pinacothèque occupe le premier étage. Elle donne un large aperçu des peintres de l’école lombarde. Ces dernières années le musée a continué à enrichir ses collections. C’est ainsi qu’il a fait l’acquisition des deux tableaux de Canaletto, Le môle vers la Zecca, avec la colonne San Teodoro, et Le môle vers la rive degli Schianoni, avec la colonne Saint Marc, et en 1998 du Palazzo dei Giureconsulti e il Broletto de Bernardo Bellotto. Notre vidéo décrit comment Canaletto habitait ses œuvres de nombre de personnages : passants, nobles devisant entre eux, bateliers, chiens, pigeons.

D’autres musées sont axés sur les sculptures, le mobilier d’art moderne. La surface à parcourir est immense… prévoir une bonne demi-journée de visite.

Saint Ambroise

Le parcours vers Saint Ambroise nous dirige vers l’université catholique, le monument aux morts, nous marchons au milieu de nombreux jeunes scolaires et étudiants.

La Basilique Saint Ambroise est encadrée par un cloître. Construite en briques, elle présente un très bel aspect extérieur, sa nef abritant plusieurs trésors dont un monument funéraire situé en contrebas de la chaire.

Notre joyeux particularisme est fortement ancré dans l’histoire depuis « La vie parisienne » d’Offenbach, la littérature, « Paris est une fête » d’Hemingway, la représentation artistique, la production et la consommation de Champagne, la mode devenue une industrie, les nombreuses terrasses de cafés, les boulangeries… L’esprit de fête y est partout présent.

Autre caractéristique frappante aux yeux des voyageurs : des lieux culturels en construction incessante. Inauguration d’un Philarmonique et de la Fondation Vuitton à Paris, création d’un quartier neuf des Confluences à Lyon, intégrant un nouveau musée, création du musée Caumont à Aix en Provence.

De l’espace Ferrero à Nice, du musée Bonnard au Cannet et du musée Cocteau à Menton, aucune région n’est restée en dehors d’un important essor culturel. Nous intégrons simultanément  la joie et la mémoire, le présent et le passé, la frivolité et la connaissance de l'histoire. 

Au milieu de ces nouveaux lieux, notre jeunesse écoute de la musique et danse en occupant des espaces destinés à d’autres démonstrations. Sur la plate forme du nouveau quartier de la Bibliothèque Nationale à Paris, le long des artères le desservant, des cafés et restaurants ont été construits. On dansait cet été à Paris, comme dans le reste du pays occupant les espaces créés, sans se soucier de leur destination d’origine. Les vidéos présentées ici en témoignent.

Un commentaire posté le 15 novembre sur le site du New  York  Times : 

« La  France  représente tout ce que les fanatiques religieux détestent : profiter de la vie sur terre de plein de petites manières  différentes : une  tasse  de café parfumé avec un croissant au beurre, de belles femmes en robes courtes  qui  sourient  librement, l’odeur  du  pain  chaud,  une  bouteille  de  vin  partagée  avec  des amis,  un  peu  de  parfum,  le droit de ne pas croire en Dieu, flirter et fumer et profiter du sexe hors mariage, prendre des vacances, lire n’importe quel livre, aller à l’école gratuitement, jouer, rire, se disputer, se moquer des religieux comme  des  hommes  politiques, laisser l’inquiétude sur ce qu’il y a après la vie aux morts. Aucun pays sur terre ne profite mieux de la vie que les Français. »

La poursuite de notre séjour à Lyon, nous a offert la possibilité de visiter le nouveau musée des Confluences, qui s’inscrit dans la création d’un nouveau quartier d’affaires. Ce quartier situé à la point d’une presqu’île ou se divisent la Saône et le Rhône abrite nombre des sièges sociaux. La rénovation de cette friche industrielle et portuaire a donné un bol d’air à la ville de Lyon. Il s’agit d’aménager 150 hectares avec la construction de nombreux ouvrages : le pont Raymond Barre, une halle commerciale, une rénovation des rives avec le siège social d’Euronews, des milliers de logements, d ambitions en matière de gestion de l’énergie.

Le musée des Confluences a eu pour objet de loger l’ancien musée d’histoire naturelle de Lyon. Conformément à son objet, la visite que nous avons pu faire, est un hommage à l’évolution du monde depuis le big-bang. De nombreux squelettes peuplent une salle mise en lumière sur fond noir. Un immense dinosaure suspendu au plafond étend ses 14 mètres, accompagnant un monstre marin.

D’autres salles sont consacrées à la présentation des origines de la vie avec l’homo-sapiens entouré de ses expériences spirituelles. Des sculptures montrent les croyances des Inuits et sont accompagnées de films scientifiques sur la création de l’univers. Les animaux accompagnent l’homme dans son environnement naturel et social. L’exposition permet de prendre du recul sur la place de l’être humain parmi les millions d’espèces du monde vivant, et d’identifier quelles sont ses caractéristiques. Parmi celles-ci, sa capacité à agir sur son écosystème.  

La société accompagne l’homme dans un véritable théâtre grâce à des objets structurants : véhicules, vêtements, coiffes, armures de Samouraï. C’est le moment des échanges et de l’organisation sociale. Enfin la mort est abordée sous divers angles : sépultures, croyances diverses (de l’Egypte aux Mayas). Les rites funéraires expriment en partie le désir de dépasser cette inconcevable fin, ils rendent acceptable la séparation des vivants et des morts, donnent un autre horizon à leur disparition. Le cérémonial, les gestes, les paroles, en apaisant et en attribuant une nouvelle place à chacun, contribuent à rétablir un ordre social bouleversé.

Une pièce est entièrement consacrée à des conversations de philosophes, écrivains, scientifiques sur la mort. L’écoute se réalise à l’intérieur de cocons situés en face d’écrans. Le choix du discours est laissé à notre initiative par l’intermédiaire de boutons.

C’est ainsi que se termine une visite où la place de l’homme est questionnée sous l’angle de la diversité des espèces, son influence sur la vie de l’éco-système, sa méditation propre sur le sens qu’il donne à sa destinée.

Exposition temporaire Boulet

Ce dessinateur et caricaturiste est l'auteur de nombreuses bandes dessinées. Il a visité en 2015 le musée des Confluences et s’est interrogé sur les pièces présentées dans l’exposition. En interrogeant le public et les employés du musée, il en tire une réflexion sur le thème de « T’imagines ». Des dessins mettent en action des rencontres avec les dinosaures et leur taille démesurée. Des transports fictifs sur la création de la terre et l’impossibilité d’y vivre… D’excellentes rencontres entre création et créativité de l’artiste.

Cet été la place des Terreaux était très animée par une opération destinée à faire sortir les lyonnais. Un cours de danse y était organisé sur la place juste en face de l’Hôtel de ville. Sur cette très grande place, nous avons admiré la fontaine de Batholdi avec ses jets d’eau, ainsi que plusieurs façades dont celle de l’immeuble consacré aux Beaux Arts, dont nous reparlerons ultérieurement. L’hôtel de ville lui-même arbore une belle façade agrémentée d’or qui met en lumière les toits en ardoise. Plusieurs statues sont érigées, dont au centre la statue d’Henri IV. Construit entre 1645 et 1651, il sera détruit par un incendie, et reconstruit en 1700. La statue équestre de Louis XIV a été remplacée en 1829.

La fontaine de Bartholdi ne fut acquise par la municipalité de Lyon qu’après que la notoriété du sculpteur soit établie après l’implantation de la statue de la Liberté à New York. Cette statue fut présentée à l’occasion de l’exposition universelle de 1889. La ville de Lyon en acceptera l’achat moyennant une décote d’un tiers du prix, payant 100 000 francs au lieu des 150 000 demandés.

D’un diamètre de 15 mètres, d’une hauteur de près de 5 mètres, la fontaine pèse 360 tonnes dont 21 en plomb. Elle représente la Garonne et ses quatre affluents. Ses chevaux possèdent des naseaux fumants ce qui leur donne vie. C’est du musée des Beaux Arts, que la vue sur la fontaine est la meilleure, car en surplomb.

Daniel Buren

La place des Terreaux est en outre décorée par les lignes noires sur fond blanc de Daniel Buren qui l’ornementent, par 69 petites fontaines et par quelques structures verticales décorées des lignes noires. Mais l’opposition du noir et du blanc est fortement atténuée par l’usure des matériaux qui supportent l’œuvre du décorateur. Quant aux fontaines, elles souffrent d’un défaut de planéité, empêchant leur fonctionnement. Ces défauts sont dûs à la dimension de la place et à sa nombreuse fréquentation. Lors de mon passage à Lyon, j’ai constaté que l’enrobé de bitume noir en cours de pose, dégradait une partie de la place. Monsieur Buren a décidé de menacer la ville de Lyon d’un procès afin que son œuvre soit restaurée. Cette œuvre a été acquise par la ville pour 6 millions d’euros en 1997. Or les lyonnais ont décidé de donner une autre orientation à l’utilisation de la place en l’occupant pacifiquement par des danses, des parcours en rollers ou en bicyclette, des promenades piétonnes… L’hôtel de ville, la fontaine Bartholdi, la façade du musée des Beaux Arts emplissent tout l’espace désormais sur-occupé par les déambulations de la population. Monsieur Daniel Buren pense imposer son empreinte en dépit de l’utilisation nouvelle donnée à la place. Dans ce débat il est intéressant de visiter le site d’une critique de l’art contemporain, auteure du livre « la bouffonnerie de l’art contemporain ».

La place des Jacobins

Cette place a été rénovée en 2013. Elle met en valeur une fontaine et les immeubles situés sur son pourtour. C’est en 1885 que la fontaine située sur la place sera terminée. Elle conduit vers le théâtre des Célestins, la place Bellecour et la rue Mercière, tous lieux emblématiques de la ville de Lyon. La rue Mercière rassemble nombre de bouchons, restaurants traditionnels dédiés à la charcutee et au vin du Beaujolais.

Outre la découverte de la Fondation Louis Vuitton, nous avons vu deux expositions importantes tenues à Paris. Notre programme étant par la suite complété par une visite de la Ville de Lyon avec le musée des Confluences et un parcours du musée des Beaux Arts, un des plus importants de France, par l’ampleur de ses collections. A chaque visite, correspond aussi un inventaire des quartiers des villes visitées, qui sera prochainement relaté….

Au Quai Branly : L’Inca et le Conquistador

La conquête expliquée sans fioritures

À travers les portraits de l’Inca Atahualpa et du conquistador Francisco Pizarro, l’exposition retrace les moments-clés de la conquête de l'empire Inca, mettant en scène la rencontre de deux mondes, avec leur destin. Il est intéressant de voir la distanciation prise dans la description des évènements selon les époques. Il y a quelques années au musée anthropologique de Mexico la colonisation et la volonté de destruction de l’écriture Maya étaient mises en scène. Ici, le parcours devient plus informatif sur l’âpreté de la conquête et l’esprit de lucre qui animait les envahisseurs. En 1520 : l’empire espagnol de Charles Quint, assoiffé d’or et de conquêtes, poursuit son exploration de l’océan Pacifique et du littoral sud-américain entamée une décennie plus tôt. Au même moment côté amérindien, le plus grand empire inca jamais connu, mène son expansion sous le règne de Huayna Capac. À la mort de ce dernier, une crise dynastique porte au pouvoir son fils Atahualpa, coïncidant avec l’arrivée sur le territoire péruvien de l’espagnol Francisco Pizarro et de ses conquistadores.

Autour des récits espagnols et indigènes de la conquête, illustrant les parcours parallèles puis l’affrontement de ses deux protagonistes, l’exposition retrace les moments-clés de l’histoire du continent sud-américain. Présentés sous forme de dialogue, les objets incas et hispaniques, les peintures, cartes et gravures d’époque mettent l’accent sur la confrontation de deux mondes radicalement opposés, engagés dans une profonde révolution politique, économique, culturelle et religieuse. Après avoir rançonné Atahualpa au prétexte d’une bible jetée à terre, Pizzarro obtient la livraison de 4 tonnes d’or et de 8 tonnes d’argent. Il exécute Atahualpa en dépit du paiement. Cette remise fabuleuse sera partagée entre seulement 163 personnes (outre 20% de commission allant à la reine d’Espagne). Ces épisodes ont été véhiculés par les chroniques espagnoles et indiennes, de manière différente : la présentation met en exergue ces différences, ainsi que les codes culturels transparaissant dans les récits et la stratégie militaire des deux camps. Enfin, les rivalités personnelles précipitent les Conquistadors dans la guerre civile : Pizarro est assassiné par ses compatriotes en 1541. Outre un tableau représentant méticuleusement la scène de son assassinat nous observons un squelette orné des divers impacts de poignards et épées. Un relevé anthropométrique du corps est exposé avec un crâne percuté, des côtes blessées, une jambe fracturée. Au-delà de l’Histoire racontée par le musée, une autre histoire de malfrats et de règlements de comptes, de rançon et de difficile partage du butin, relate la fin sinistre d’un épisode digne de la série noire.

Parcours de l'exposition

L’exposition est construite en quatre sections, chaque section intégrant un nombre varié d’objets. Les deux premières sections concentrent la majeure partie des objets.

La première partie met en scène les deux camps adverses et leur leader respectif : ce parcours parallèle permet de faire connaissance avec les deux protagonistes Pizarro et Atahualpa, dans des présentations indépendantes mais en dialogue.

La deuxième section donne corps à la rencontre avec l’Autre. Une place importante est accordée au statut de Pizarro (cavalier) et de l’Inca à travers des objets phares comme le siège en bois, ainsi qu’aux symboles véhiculés sur cette rencontre : la bible d’un côté, les rituels de boisson de l’autre. Puis suivent la capture et la rançon d’Atahualpa.

La troisième section, moins riche en objets, intègre plusieurs multimédia : sur la ville de Cuzco, sur l’assassinat de Pizarro et sur le vol et le transport du corps d’Atahualpa dans sa terre natale.

La quatrième partie ouvre sur la suite de la conquête et l’idéal d’une société métisse, encore aujourd’hui mise en question.

A la Pinacothèque : de Rubens à Van Dick

Gerstenmaier : une passion pour les Flandres

Pour la période estivale 2015, la Pinacothèque de Paris présente l’une des plus belles collections privées d’art flamand, celle de Hans Rudolf Gerstenmaier. Ses œuvres sont exposées aux côtés de l’accrochage transversal et pluridisciplinaire des Collections permanentes de la Pinacothèque de Paris, du 10 juillet au 4 octobre 2015, puisque ce collectionneur nous fait l’honneur d’accepter d’entrer dans le cercle fermé de ceux qui déposent une part de leur collection à la Pinacothèque de Paris.

De nationalité allemande, Hans Rudolf Gerstenmaier est un entrepreneur. Il a travaillé de nombreuses années dans le domaine de l’industrie et de la technologie. Il a commencé à collectionner il y a plus de quarante ans, en Espagne. Sa collection est, avant tout, l’expression de son goût personnel et de sa recherche d’esthétisme. Ce qui était alors une passion a donné naissance à la collection actuelle. L’un des plus grands mérites de ce collectionneur singulier et passionné est peut-être d’avoir acquis la majorité de ses œuvres dans des salles de vente, galeries ou chez des antiquaires, ce qui lui a permis de redécouvrir des œuvres oubliées, comme l’exceptionnelle Vierge dite de Cumberland de Rubens.

Hans Rudolf Gerstenmaier a toujours eu une préférence pour la peinture flamande du XVe au XVIIe siècle, et ce sont justement ces pièces majeures auxquelles nous rendons aujourd’hui honneur. Comme toute collection privée, elle reflète avant tout la sensibilité artistique de son propriétaire. Petite anecdote à ce sujet : la majorité des œuvres ici exposées ont été acquises, dans des salles de vente, des galeries ou chez des antiquaires. Les collections privées ont cette particularité de nous faire découvrir des œuvres réunies par amour de la beauté.  La collection de M. Gerstenmaier est donc le fidèle reflet des qualités que se doit de posséder tout bon collectionneur : la passion pour l’art, la patience et la constance.

Déambulation à travers les salles

L’exposition présente des peintures sur bois et toile. Elle fait également la part belle à des gravures, réalisées par les maîtres les plus importants de leur temps, tels que Rubens et son élève Van Dyck.

Dans les Flandres de la fin du XVe siècle, la prospérité et une relative liberté de pensée permettent la naissance et l’émancipation de nouveaux genres picturaux, dont le paysage. Le paysagisme est ici incarné par Joost de Momper, en collaboration avec Jan Brueghel, qui offre une scène admirable ouverte vers l’infini d’un paysage flamand à la lumière crépusculaire.

Nous retrouvons également la peinture de fleurs, genre dans lequel la supériorité des peintres flamands n’est plus à démontrer.

La peinture historique ou religieuse est également représentée. L’Adoration des anges et des bergers de Martin de Vos ou le splendide triptyque anonyme se distinguent particulièrement.

Lors de notre visite les salles étaient quasi désertes, ce qui nous a permis d’admirer de près ces belles pièces dans un silence solennel. Une expérience exceptionnelle !

Incontestablement, le XVIIe siècle, au plan artistique, fut un siècle d’une très grande richesse artistique pour la Hollande car les peintres étaient nombreux et très appréciés par le public, quelle que soit sa classe sociale.

La peinture flamande représente aussi un art d’une très grande valeur historique. Elle est le fruit du mouvement qui donna naissance à la bourgeoisie ; aboutissement culturel et idéologique de grande importance. C’est toute cette histoire qui se raconte au travers des peintures historiques, religieuses, de paysages ou des natures mortes du XVe au XVIIe siècle.

Cette exposition n’offre pas simplement une vue transversale de l’art flamand, elle donne également un aperçu fascinant de la production picturale à cette époque.

Et au gré de nos déambulations, nous avons également pu apprécier, au regard de l'opulence des vases de fleurs signés Gaspar-Pieter Verbruggen le Jeune, la veine pittoresque de Adrian De Gryef avec deux toiles monumentales de belle facture mettant en scène des animaux dans des paysages arborés ("Le Paradis terrestre", "Allégorie des créations humaines").